Del valor artístico de plantearse retos

Hay artistas que descubren una formula exitosa, una zona de confort, de donde saben bien que sin necesidad de moverse obtendrán éxitos y reconocimientos. Hay, por otro lado, artistas que no buscan esa zona estable, si no que se mueven en espectros mucho mas amplios y cuyo deseo es abarcar mas de lo que ellos mismos habían sospechado que podrían…

Pues bien, durante las últimas semanas he tenido que reflexionar bastante sobre este tema. Todo ha estado motivado por la visita a España de los dos músicos que mas me han llenado e influenciado a lo largo de mi vida: Peter Gabriel y Sting. Los dos han sacado durante 2010 un LP y los dos han escogido el otoño para venir a promocionarlo a España. Y ante la perspectiva de solo poder ir a uno, me di cuenta de que no titubeaba ni un segundo; la única opción es ir a ver a Gabriel.

De la evidente falta de dudas, surgió el planteamiento de el porqué. Y entonces volvemos al principio de esta entrada. Un artista que ha encontrado su zona de confort frente a uno que se niega a acomodarse. Sting frente a Peter Gabriel. Quienes hemos seguido la trayectoria de estos dos músicos podemos identificar las motivaciones de uno y otro a lo largo de su trayectoria. Y estas motivaciones se hacen mas evidentes que nunca en estos últimos discos, separado uno de otro por apenas meses.

Empecemos por una premisa, los dos discos cuentan con el acompañamiento principal de una orquesta sinfónica. Ahora, de aquí en adelante difieren radicalmente los planteamientos de uno y de otro.

Peter Gabriel ha partido siempre de una base rítmica clara (no por nada empezó como percusionista) para desde ahí, empezar a componer los temas. En algunas ocasiones, la letra es algo absolutamente secundario y es solo una excusa para usar la voz como un instrumento mas. Sin embargo, no siempre es así y Gabriel no renuncia a usar el lenguaje como un instrumento para profundizar en las pasiones y sentimientos del ser humano. Las inquietudes de Gabriel le llevaron a escoger 12 letras ajenas en donde encontrara respuestas a esas interrogantes que constantemente se plantea. Y entonces puso todo lo que para el pudiera ser un proceso estandarizado patas arriba. Se auto impuso una primera dificultad: No Drums, No Guitars. ¡Una jodida locura! Para un hombre que siempre ha empezado desde la percusión y los ritmos -para, desde ahí, escalar por todas las fases de una canción- que la primera norma sea “No Drums” le pone, sin duda, al límite de sus capacidades. Y no solo eso, la base no solo deja de ser aquella a la que el está acostumbrado, sino que ahora ha cambiado para ser la letra, esa de la que a veces es capaz de prescindir… Esto es plantearse a si mismo un reto interesantísimo: ¿seré capaz de crear un disco digno, con un valor considerable, sin tener a la mano ninguno de los recursos que conozco?… eso si que es valor…

Bien, ahora el contrapunto. Symphonicities, de Sting, es sin duda su disco mas mediocre. Un hombre tan talentoso e inteligente que sabe de lo que es capaz y sin embargo prefiere moverse en un territorio conocido. Le vienen con la propuesta de grabar un disco con una orquesta sinfónica y en lugar de ver en ello un reto, decide meterse durante una semana en Abbey Road con la orquesta y grabar versiones idénticas a las que el mismo había compuesto hacia años. No hay cambios sustanciales, no hay un reto por ninguna parte, no se ve ningún esfuerzo. En el papel de Sting… Sting. Hay incluso algunas canciones que cuesta diferenciar de la grabación original, aquella en la que no había orquesta.

Los resultados son evidentes. Peter Gabriel ha hecho uno de los discos mas grandes de los últimos años, “un álbum, donde  hay un concepto circular, un motivo recurrente, hay poesía y emoción a flor de piel” y que  ha sido capaz de poner los reflectores en las letras de esas canciones que tanto le marcaban… Mientras que el de Sting, sin reto alguno, es un disco frío, calculado, que mete el frío en el cuerpo hasta al mas fiel de sus admiradores (y ahí es donde estoy yo… y así de desilusionado te quedas).

Creo que es evidente que la conclusión es que es necesario en la vida de un artista, como de cualquier persona, marcarse retos y tratar constantemente de moverse fuera de lo conocido, no buscar lo fácil y abandonar las zonas de confort…

Dia: Beacon

El Dia:Beacon Museum es una muestra excelente de un formato alternativo y brillante para los museos. Si hay algo que me disgusta de los grandes museos es la incapacidad para disfrutar por completo de una obra maestra. El bullicio a veces es un factor de distracción fuerte, pero sobre todo la acumulación de obras maestras por metro cuadrado, a mí por lo menos me obnubila. No soy capaz de disfrutar igual a Las Señoritas de Avignon si sé que detrás me está esperando La noche estrellada. Esto pasa en el MoMa de NYC, pero pasa en miles de museos. En el Dia:Beacon no. En este museo hay inmensas salas exclusivamente dedicadas a la obra de un autor, grandes espacios entre cada una de las obras, no existe este factor de distracción. Los espacios son tan amplios que es imposible distraerte con el resto de visitantes.

El museo está instalado en una antigua imprenta para la fábrica de galletas Nabisco y fue reformado en 1999 con la ayuda de el artista de instalaciones Robert Irwin. El emplazamiento del edificio es ideal, a una hora en coche, menos si es en tren, de Manhattan, a orillas del Hudson River. Toda la luz de las salas es natural y eso da un carácter insustituible a la apreciación de la obras expuesta. Es una experiencia que yo no logro comparar con ninguna de cualquier otro museo en el que haya estado.
Además, el patrimonio expuesto es de una calidad altísima. La fundación Dia lleva desde los años 60 apoyando a los mejores artistas del panorama internacional y la colección con la que se han hecho es realmente impresionante. Obras de Richard Serra, Joseph Beuys, Louis Bourgeois, Walter De Maria, Dan Flavin, Donald Judd, Fred Sandback, Cy Twombly o Andy Warhol se encuentran separadas unas de otras por metros, pero en espacios bien delimitados que te permiten sin ningún tipo de problema hacer la transición de una obra a otra, de un autor a otro.
Es sin duda una visita obligada a cualquiera que se acerque a la Gran Manzana y tenga ganas de ir a un gran museo.

Bourgeois

Louise Bourgeois, escultura esencial del siglo XX quien sólo consiguió el reconocimiento que se merecía al final de su carrera, como demasiado a menudo les sucede a los grandes del arte, falleció hoy en Nueva York a los 98 años. Fue la primera mujer a la que el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York le dedicó una retrospectiva, en 1982, y al menos su longevidad le permitió poder disfrutar del respeto debido durante los últimos 25 años. Ella suficientemente generosa para compartir lo que sabía con otros artistas más jóvenes a través de un encuentro mensual que celebraba en su casa neoyorquina y que se convirtió en un lugar de peregrinaje mítico para cualquier creador en busca de consejo.

Nació en Paris un 25 de diciembre de 1911 pero se mudó a Nueva York y allí empezó a dibujar siendo una niña. Se mudó a Estados Unidos en 1938. De sus dibujos pasaría a hacer esculturas en diversos materiales, la mayoría con fuertes connotaciones sexuales emocionalmente muy agresivas y con la presencia casi constante de imágenes fálicas. El abandono por parte de su padre cuando era una niña marcó gran parte de su obra y el simbolismo fue también una de sus constantes.

Llegaría a ser amiga de muchos de los grandes del siglo XX, desde Marcel Duchamp a Mark Rothko o John Cage. Hoy Bourgeois ha abandonado la tierra para unirse a ellos en la historia universal del arte.”

vía El País

Mercy Street

Un mes mas, el proyecto Scratch my back de Peter Gabriel nos trae una nueva entrega de estas “re-interpretaciones” que Gabriel hace de otros músicos y viceversa.

Este mes le toca a Elbow con Mercy Street del álbum So. Por su parte, Gabriel “copió” Mirrorball.

Aquí dejo las dos versiones:

Peter Gabriel – Elbow by RealWorldRecords

Y para el que quiera profundizar un poco mas, aquí está el link en donde Elbow y Gabriel dan sus visiones de las canciones del otro:

http://bit.ly/c5AQGU

Serra, Premio Príncipe de Asturias de las Artes

El jurado del Premio Príncipe de Asturias ha decidido dar a Richard Serra el premio por su “audacia para vertebrar desde su perspectiva minimalista los espacios urbanos más significativos a escala internacional a través de obras de gran potencia visual que invitan a la reflexión y al asombro”. Yo diría, mas bien, que consigue desde el asombro, que sus obras potencien la reflexión. Y no solo eso. Logra potenciar la reflexión de temas trascendentes desde un minimalismo extremo, pero casi cálido y en ningún caso desolador.

Podemos, como siempre, disfrutar de la obra de Serra en el Museo Guggenheim de Bilbao, parte de la colección permanente. O para los que tengan suerte y estén por ahí, en el DIA Museum del estado de Nueva York, con salas reservadas únicamente a la obra de este grandísimo artista.

Dave Matthews Band

Dave Matthews Band es un grupo enorme. Fusiona una serie de ritmos y estilos musicales super amplio con un buen gusto y una pulcritud admirables, aparte de la exquisita complejidad de sus arreglos, las increíbles aptitudes de cada uno de sus componentes al mando de sus instrumentos, sin duda unos virtuosos de lo suyo.

Como Carter Beuford en la bateria hay muy pocos en el mundo, con esa técnica, esa precisión de relojero. Dave Matthews domina la guitarra y hace con ella lo que le apetece, pero sobre todo domina la composición, Stefan Lessard en el bajo o Boyd Tinsley y sus aportaciones con el violín, aparte de el fallecido LeRoi Moore en el saxofón, hacen entre todos un conjunto majestuoso de virtudes puestas a disposición del colectivo.

De cualquier forma, creo que no hay mejor forma que dejar hablar a los propios DMB de si mismos y que mejor que hacerlo con un video. La canción es Funny the way it Is de su último disco Big Whiskey and the GrooGrux King.

Turner Prize 2010

Dexter Dalwood
Dexter Dalwood, Sunny Von Bulow, oil on canvas 2003.

Como cada año a estas alturas tenemos ya los nominados para el premio Turner de arte moderno. El polémico premio, que suele premiar nuevas técnicas y se suele inclinar mas hacia las instalaciones que las formas clásicas del arte, este año ha cambiado ligeramente y tiene entre sus favoritos para recibir el galardón a un par de pintores.

Además este año está nominada la primera española. Angela de la Cruz, artista gallega instalada en Londres desde hace años y cuya nominación levantará bastante polémica (porque no se sabe muy bien lo que hace…).

Aquí una relación de los artistas nominados y los links (cuando se puede) de las galerías que ahora mismo auspician exposiciones suyas.

Dexter Dalwood
ICA and the Saatchi Gallery.

Angela de la Cruz
Camden Arts Centre.

Susan Philipsz

The Otolith Group
Gasworks and the Showroom.

Antonio López sigue pintando La Gran Vía

El País publica una entrevista con el genial pintor de Tomelloso, en la que nos revela que está desarrollando seis cuadros mas de La Gran Vía, desde puntos de vista muy distintos a los que ya ha experimentado en la arteria madrileña.

Además, nos cuenta anécdotas del proceso de creación en aquellos años en los que retrato con sencillez y maestría la vida de esta calle y algunas impresiones de lo que, para él, representan la Gran Vía y Madrid.

Madrid no tiene lugares así. Toda la ciudad es un espacio para la supervivencia, y eso me gusta. Pero la Gran Vía se aparta de esa idea. Es un lugar construido para asombrar y ser observado por su hermosura

Para ver la entrevista completa haz clic aquí